CRITICARTBO

Como es habitual, a finales de octubre se llevó a cabo en la capital el ARTBO, la Feria internacional de arte de Bogotá. Un evento que congrega a artistas contemporáneos y a los respectivos amantes del arte. Por mi parte, jamás había asistido, así que me dispuse a ir 2 de los 4 días que duraba la muestra.

La “Media esfera roja”, obra del venezolano Jesús Soto fue la pieza principal y, lo primero que noté al entrar a los pabellones de Corferias dispuestos para la feria.  En la estructura colgante predomina el uso del espacio, y piezas en las que, como su nombre lo indica, el rojo predomina. Está llena de cilindros metálicos rojos, medianamente relacionados con el puntillismo si se miraba desde abajo. Y, a pesar del material, transmite delicadeza a partir de figuras rígidas. Es una obra que permitió ser apreciada de distintas perspectivas, puede verse de frente y de lado la media esfera, pero desde abajo luce como un círculo.

Entre stands, la diversidad de culturas era evidente, iba desde arte cubano hecho  cucharas y mensajes de oprimidos por dictadores del artista Reyner Leyva, hasta una crítica a la colonización y a la segregación de razas por medio de una foto editada de una niña afroamericana de Adriana Duque.

Sin embargo, a pesar de ser un evento diseñado para público de estrato medio-alto, fácilmente catalogado por el costo de la entrada ($35.0000), de la comida y de las mismas obras, la rebeldía en ARTBO no faltó y eso se vio en los mismos asistentes. Claro, la muestra dedicó un gran espacio al arte experimental en donde destaco la sección de Artecámara.  Un espacio que se  diferenció por no estar formado por grandes galerías sino por jóvenes artistas; logra fusionar el arte plástico con lo audiovisual y multimedia. 

En cuartos oscuros, tapados por cortinas negras, se proyectaban vídeos experimentales simultáneamente en 3 paredes, entre las que solo había silencio. No se creaban historias lineales, sino que se basaban en sentimientos que lograban interconectarse. Además, conservaron proyectores antiguos y  tocadiscos que creaban formas a partir de luces.

Otro cuarto contenía una cámara conectada a un brazo robótico que cargaba un vaso de aguardiente, mientras el brazo se movía en dirección a la  pantalla de la cámara que repetía una y otra vez los labios y bigote de un hombre. Todo haciendo una especie de oda a la robótica y a su personificación.

 Siguiendo con la idea de rebeldía, llegué hasta el stand de una galería que rompía todos los esquemas. Un condón metálico, haciendo referencia a la cota de malla que utilizaban los caballeros durante las cruzadas, me impactó por la crítica hacia la utilización de un método anticonceptivo tan “medieval” y no del todo efectivo, sabiendo que actualmente hay una gran variedad de métodos anticonceptivos. A su vez, pocillos para tomar té con las orejas perforadas -Sí, los pocillos tenían piercings – hacían referencia a la industrialización de las masas, que podría interpretarse como el hecho de que las nuevas generaciones añoran una individualidad, pero solo actúan por moda, y eso se reflejó gracias a que todos los pocillos eran blancos y tenían piercings. Ubicado estratégicamente en la pared de al lado, se encontraba una obra “tributo” a la tan famosa pipa de Magritte, que explica que el arte se encarga de representar sin ser; sin embargo, en este cuadro ya no se pone una sino  3 pipas en línea recta que también hacen crítica a la producción en masa en el arte, causando que una obra que fue tan influyente en la historia del arte, se transforme simplemente en una más.

Cuando llegué a la sección de la Galería El Museo, me deslumbró una porcelana con estética grecorromana de una mujer sosteniendo una vasija de flores que contiene una muñeca de juguete, un infante. Podría exponer a una madre sacrificando a su hijo por el bien de la sociedad, cuando en la época de Esparta se sacrificaba a los más débiles. Aunque también puede transmitir la transformación que sufre el arte con el tiempo y  cómo se retorna a lo clásico, pero con ciertas modificaciones.

Después, en el mismo stand, un busto de hombre con un hueco en la frente y un pájaro carpintero sobre la cabeza buscaba expresar la volatilidad de las ideas y de los sueños. La escultura del colombiano Nadín Ospina, que no manejaba una proporción del todo real, a su vez, invitaba al espectador a abrirle paso a la creatividad, debido a que el busto es negro, toda ausencia de color, y el que arma el hueco en la frente del busto es un pájaro con textura y  rojo, color asociado a la pasión y a lo sentimental.

20171027_164556_edited

Continuando con el recorrido, muchas más obras, sin recurrir al usual triángulo que representa rebeldía y anarquía, lograron transmitir esas ideas y una ruptura hacia lo establecido: bicicletas cuadradas; cuadros de saludos nazis criticando la imitación que le hace el fascismo; el mural de "Superputa" de Walterio Iraheta, que fue un éxito en las fotos de los que asistieron solo para tomarse la foto al frente y un cuarto burlándose de las modas, en donde la protagonista del loop que transmitían por lo menos 3 televisores, derritiéndose entre brillos, era la polémica Kim Kardashian, ídolo de millones de adolescentes.  Y para terminar, un fajo de billetes de cien pesos con una perforación con forma del martillo y la hoz, símbolo comunista, toda una crítica a los gobiernos socialistas donde se asegura que la plata es para todos pero pocos terminan teniendo acceso. La plata de los trabajadores es la que enriquece al gobierno.

En resumen, la rebeldía predominó en un evento de la alta cultura, que lastimosamente no fue de fácil acceso ni entendimiento para todos.